ANIMA MUNDI is a major Horizon Europe-funded research project aimed at revitalizing the European Animation Industry Ecosystem (EAIE). Running through mid-2028 and coordinated by the Université de Liège, the 13-partner initiative seeks to solve structural challenges in Intellectual Property (IP) management, discoverability on global streaming platforms, and international soft power
The ANIMA MUNDI project focuses on European animation, intellectual property, discoverability, and international partnership. Specifically, the project will:
Provide an interdisciplinary mapping and assessment of the ways to increase the global visibility and accessibility of European animation.
Pilot the transformative impact of European Animation to promote EU priorities, culture and fundamental values abroad, by investigating practices and innovative hubs of creativity, with a special focus on children and youth, and
Co-test the potential of European Animation to strengthen cooperation among CCI stakeholders and establish strategic alliances with other sectors.
To achieve this, ANIMA MUNDI, a multistakeholder team of five academics and eight key industry actors, will:
Develop a European Animation Brand to enhance the EAIE’s global visibility.
Organise joint promotional activities on European co-productions at the Annecy International Festival.
Create an ANIMA MUNDI Dashboard, a policymaking tool for assessing the global visibility and accessibility of European animation.
Pilot the design of a tool promoting discoverability through gamification techniques.
Deliver Empowering Partnerships and IP toolkits to effectively promote EU priorities abroad.
Develop a First-Aid kit Handbook on engaging audiences—including youth and children—to support EAIE’s international promotion in a bottom-up and creative manner.
Here is the Pressrelease by Anima Mundi regarding their Survey:
Dear animation creators and industry stakeholders,
We are pleased to invite you to take part in an important initiative: Survey Vol. 1 of the ANIMA MUNDI project (https://www.animamundi-values.eu). This is the first multidisciplinary research effort dedicated to the European animation industry (EAI), funded by the Horizon Europe programme.
About the survey
The EAI is currently navigating a complex landscape shaped by the balance between cultural ambition and market realities. Ongoing geopolitical shifts, the platformisation of media distribution, and the rapid rise of Generative AI (GenAI) are transforming the sector. While these developments create new opportunities for innovation, they also raise important questions around international promotion, creative authorship, intellectual property (IP), and sustainable revenue models.
The survey aims to gather insights from professionals and stakeholders across the EAI. Your perspective will help identify shared challenges, needs, and expectations within the EAI, and contribute to closing existing data gaps—particularly regarding the impact of streaming platforms and GenAI on IP-based value creation.
Why participate?
It takes approximately 10–12 minutes to complete
Available in English, French, German, Italian, Greek, Polish, Spanish, Czech, Portuguese, Dutch, Romanian and Finnish
Your input will directly inform policy recommendations at both EU and national levels
You will contribute to the development of evidence-based strategies and dedicated IP and Partnerships Toolkits.
As a token of our appreciation, participants who complete the survey can enter a draw for one of five free MIFA 2027 accreditations, granting access to all MIFA events at the Annecy Animation Festival.
Your privacy matters! Rest assured: your personal data will be handled securely, anonymously and confidentially, adhering to the EU General Data Protection Regulation. The purpose of collecting your data is solely for research within the ANIMA MUNDI project. It will not be shared or reused beyond this initiative. Your responses will remain confidential and anonymous. Participation in this survey is entirely voluntary.
If you experience any technical issues with the survey, please contact us at solenn.houard@uliege.be.
The selection for Cartoon Forum 2026 has been unveiled, with 66 animated projects chosen from 111 submissions across Europe. This year’s line-up features 61 TV series and 5 TV specials, representing a total production volume of 330 hours and an overall budget of €283.58 million, with an average budget of €4.30 million per production.
This highlights both the vitality of the European animation industry and the continued importance of international collaboration.
Created in 1990, Cartoon Forum is a unique event focusing on pitching sessions of pre-selected TV projects, where animation producers can find cross-border partners and speed up financial arrangements.
It allows co-productions to be finalised, pre-buys to be agreed upon, distribution agreements to be negotiated, options on all types of rights to be discussed, and secondary rights to be licensed.
International collaboration
International collaboration continues to play a central role in this year’s selection, with 26 projects developed as co-productions, representing 39% of the line-up. Among them, 10 involve partnerships between two or more Creative MEDIA countries, while 5 include co-producers from Brazil, Switzerland, Thailand and the United Kingdom. In total, 15 countries are involved as co-producers, led by France, Luxembourg, Austria and Germany.
Broadening audience reach
The growing number of submissions targeting teen, young adult and adult audiences is reflected in this year’s selection, with such projects accounting for 26% of the line-up. A total of 17 projects are aimed at these audiences, comprising 3 projects for teenagers (aged 12-15) and 14 for young adult and adult viewers, illustrating the sector’s continued diversification and ambition to reach broader audiences.
Selection Committee insights
The Selection Committee praised the high quality and diversity of this year’s submissions, in what proved to be a highly competitive selection process.
In its evaluation, the Committee placed particular emphasis on originality, creative ambition, financial viability and international appeal, while seeking to ensure a broad diversity of European talents and perspectives across the final selection.
From Cartoon Springboard to Cartoon Forum
Two projects featured among this year’s selection, WAW Resort by Peekaboo Animation (Spain) and OUCH ! by Anna Films (France), were previously pitched at Cartoon Springboard, continuing their development journey across the CARTOON events network.
Produced in the territory
Three of the selected projects are produced in the Occitanie region: The Banana Complex by Xbo films, PlasticLand by Dwarf Entertainment and The Old Ladie and the Dragon by Les Films d’Ici Méditerranée
Projects selected through industry partnerships
As part of Cartoon Forum’s ongoing partnerships, three projects joined the line-up through the Animation Production Days (APD) and the CEE Animation Forum. At APD, the German broadcasters HR, KiKA, MDR, Super RTL, SWR, WDR and ZDF selected Emotsters by Blaue Pampelmuse (Germany), and Reinventing Herman by Wolkenlenker (Germany), while the CEE Animation Forum jury awarded direct access to Tolo&Bolo by Filmograf (Poland).
Lucasfilm was deeply saddened to learn of the passing of Marcia Lucas. The 80-year-old was one of the three editors to take home an Oscar for 1977’s Star Wars: A New Hope.
After Lucasfilm’s establishment in 1971, production began on George Lucas’ newest feature film, American Graffiti (1973). Marcia Lucas joined her mentor Verna Fields as editor of the film, for which the pair received an Oscar nomination. Marcia then worked for director Martin Scorsese on Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974) and Taxi Driver (1976) as Lucasfilm readied Star Wars: A New Hope.
As the film entered post-production, George Lucas found that a near total restart was required, and Richard Chew and Paul Hirsch joined the editorial team with Marcia, who eventually departed to work on Scorsese’s New York, New York (1977). Along with Chew and Hirsch, she would go on to win the Oscar for Star Wars in 1978.
In succeeding years, Marcia contributed to other Lucasfilm productions, including More American Graffiti (1979), Star Wars: The Empire Strikes Back (1980), and Star Wars: Return of the Jedi (1983), among others.
“I love film editing,” Marcia once told a reporter. “I have an innate ability to take good material and make it better, and to take bad material and make it fair.”
Lucasfilm joins the global filmmaking community in mourning the loss of Marcia Lucas.
Guillermo del Toro is one of the most distinctive voices in modern cinema.
Having achieved critical acclaim and commercial success in equal measure, the highly decorated Mexican director is the BFI’s newest Fellow. A strong association with gothic, horror and fantasy, alongside an abiding passion for cinema history and commitment to animation, are hallmarks of his filmography.
Here he talks about his career in film – including the movies Pan’s Labyrinth, Hellboy, Pacific Rim and Frankenstein – and explores how fundamental events in his life shaped his distinctive film-making.
Um einen guten Film zu machen braucht man als Grundlage eine interessante, erzählenswerte Story. Klingt simpel, offensichtlich, selbstverständlich. Eine Art Credo, eine Maxime, ein ehernes Gesetz: Das Erzählen einer guten, spannenden Geschichte ist der Schlüssel zur Herstellung eines guten Films. Auch (oder gerade) Animationsfilme sind von dieser Binsenweisheit nicht ausgenommen. Animation ist ein eigenständiges Medium, kein Genre, innerhalb dessen man jede Form von Geschichte erzählen kann.
Dabei liegen die Stärken dieses Mediums vor allem im Bereich des visuellen Erzählens, über welches man das Publikum emotional deutlich stärker ansprechen kann als es etwa dem Realfilm möglich ist. Walt Disney hat das mal in Worte gefasst: „Animation bietet ein Medium des Geschichtenerzählens und der visuellen Unterhaltung, das den Menschen Freude und Information vermitteln kann.“
Animationslegende John Lasseter spitzte es später noch weiter zu: „Auch die beste Animation kann eine schlechte Geschichte nicht retten!“
Und dabei bestehen Animationfilme mit ihren komplizierten Herstellungspipelines aus vielen faszinierenden Facetten: Storyboarding, Character Design, Rigging, Texturing, Compositing, Lighting/Shading, der eigentlichen Animation, Sound, Layout, Musik und vielem, vielem mehr. Vieles davon wird vom Zuschauer nicht wirklich wahrgenommen, es erklärt zumindest, warum Animationsfilme diese nicht enden wollenden Abspänne haben, wo Hunderte von Artists und Techniker und deren Produktionsbabies über die Leinwand wandern. Aber hier jetzt halten wir einfach einmal fest: Ohne solide Story kein guter Animationsfilm! Selbst wenn alle oben aufgeführten Departments ihr Bestes geben. Darum scheitern viele, viele Projekte krachend aus dem In- und Ausland hierzulande an den Kinokassen, (Der letzte Walsänger, Tafiti, Alles voller Monster, Tom und Jerry – um nur einige wenige zu nennen…)
Aisha und das verlorene Buch ( (c) Der Filmverleih, Stuttgart)
Mit „Aisha und das verlorene Buch“ (OT La Luz de Aisha/Light of Aisha) ist jetzt eine internationale Produktion unter Federführung Spaniens mit Beteiligung aus Deutschland und aus Singapur in den hiesigen Kinos angelaufen und, man ahnt es schon, die Story des Films funktioniert einfach nicht.
Dabei hört es sich auf dem Papier gar nicht so schlecht an und die Filmbilder üben einen nicht unbeträchtlichen visuellen Reiz aus: Die Story möchte von der etwa 13jährigen Aisha erzählen, die ihrem persönlichen Traum folgt, Pyrotechnikerin zu werden, Feuerwerksdesignerin. Und das im 11. Jahrhundert, im südlichen Spanien, in Al-Andalus, unter islamisch geprägten mauretanischen Herrschern. So weit, so originell. Natürlich ist der Vater, der angesehene Bibliothekar und Mentor des jungen Kaliphen, traditionell dagegen, dass die Tochter aus dem vorgezeichneten Weg ausbricht, die Mutter ist dabei traditionell verstorben. Als ein berühmt berüchtigter Alchemist die Stadt aufsucht um ein in der Bibliothek unter strengsten Verschluß aufbewahrtes Buch zu lesen (was ihm natürlich verwehrt wird aus nicht unbedingt nachvollziehbaren Gründen) verführt er Aisha dazu, ihm das Buch zu stehlen. Im Gegenzug verspricht er ihr ein Buch des berühmtesten Feuerwerk-Herstellers mit allen dazugehörigen Geheimnissen und Rezepturen. Gleichzeitig plant der böse Großwesir/Kadi, der Onkel des jungen Kaliphen, einen Umsturz – der Alchemist soll ihm helfen, eine Art Kampf-Roboter zu konstruieren. Der Alchemist stiehlt das Buch und macht sich per Schiff auf nach Hause, der Bibliothekar wandert in den Kerker und Aisha macht sich auf, das gestohlene Buch wiederzufinden, um den Vater zu retten. Dabei trifft sie auf Piraten, Zauberer und Zauberinnen.
Aisha und das verlorene Buch ( (c) Der Filmverleih, Stuttgart)
Klingt eigentlich interessant und vielversprechend für einen Film, vielleicht ein bißchen viel Stoff, aber: Geschichten aus 1001 Nacht sind oft und erfolgreich verfilmt worden: das Meisterstück ist nach wie vor die Alexander Korda Produktion des „Dieb von Bagdads“ von 1940 unter der Regie von Michael Powell und Ludwig Berger. Disney hat das erfolgreich mit „Aladdin“ wiederholt. Fehlt eigentlich nur noch eine Prise aus dem Oeuvre von Hayao Miyazaki und seinem Abenteuerfilm „Laputa – Das Schloß im Himmel, ein bißchen „Der Name der Rose“ etc. pp. Dazu holt man sich die aufregende Vision einer jungen aufstrebenden Regisseurin, die dem ganzen einen einzigartigen modernen Look verleihen soll, um das Kinopublikum zu fesseln, eine Computeranimation im Look von Puppentrick/Stop-Motion mit Figuren aus Pappmachè. Dazu eine angenehme Farbpalette mit viel tiefen Rot und ein ansprechendes Figurendesign, dass schon von weitem signalisiert, wer gut und wer böse ist.
Limitierende Faktoren bei einer Filmproduktion, ob nun Real- oder Animationsfilm sind Zeit und Budget. Aisha hat wahrscheinlich nach konservativer Schätzung und eingehender Recherche etwa ein Budget von 4.2 Millionen Euro gehabt, geht man von den einsehbaren Förderungen etc. aus (Die MFG Baden-Württemberg investierte dabei 500 000 Euro in den Film). Das ist natürlich verglichen mit großen internationalen Budgets nicht viel, aber wenn wir es mit europäischen Budgets einmal vergleichen: Die spanische Produktion „Robot Dreams“ kostete vermutlich um die 5 Millionen Euro, die lettisch-belgisch-französische Produktion „Flow“ verfügte über knappe 4 Millionen Euro. Beide Filme wurden für den Oscar nominiert, letzterer gewann nicht nur den Oscar für den besten Animationsfilm sondern auch die Kategorie für den besten internationalen Film.
Aisha und das verlorene Buch ( (c) Der Filmverleih, Stuttgart)
Es ist also nicht unmöglich, mit einem solchen Budget einen ansprechenden Film zu stemmen. Wo also liegen die Probleme des Films? Die Kunst des Animationsteams ist Film und Budget zusammenzubringen, den bestmöglichen Film für die verfügbare Summe Geldes zu erstellen. Für 70 Minuten Filmhandlung ist hier soviel Stoff und Themen zusammengebracht worden, dass der Film dem irgendwann nicht mehr gerecht werden kann und deswegen haarsträubende dramaturgische Abkürzungen nehmen muß, die jeden Zuschauer aus der Handlung werfen müssen. Da laufen etwa parallele Handlungsstränge gegeneinander, die auf der einen Seite wenige Minuten oder Stunden dauern, auf der anderen Seite aber gleichzeitig Wochen bzw. Monate dauern müssten. Da werden Gefahrenmomente, hochspannende dramatische Ereignisse entschärft oder schlichtweg unterschlagen, um das Publikum emotional nicht zu fordern. Keine der handelnden Personen macht wirklich eine Entwicklung durch, Aisha ist ziemlich diesselbe Figur am Anfang und am Ende des Films. Viel zu viel der Handlung wird in den Dialog gelegt, am Ende drängt sich die Frage auf, warum musste das eigentlich als Animationsfilm produziert werden? Und was das Setting angeht, also ein selbstbewußtes Mädchen im 11. Jahrhundert in Al-Andalus etc: Wenn der Film mit Torpedo-Booten aufwartet und zuletzt einen Roboter mit Laserkanone den Sultanspalast zerstören lässt, kann man sicher sein, sich nicht mehr in der historischen Realität zu bewegen, das hier ist pures Märchen- bzw Fantasy-Territorium. Was den Background der Figuren angeht, man erfährt nicht allzuviel, zu wenig jedenfalls um wirklich emotional für Aisha etwa Partei zu ergreifen, da wird zuwenig gezeigt, zuviel behauptet. Die Geschichte ist in und trotz ihrer Fülle unglaublich vorhersehbar (inklusive des Laserroboters), Spannung kann da nicht aufkommen, manchmal hat man gar das Gefühl einen überlangen Trailer für eine wesentlich längere, interessantere TV-Serie vorgesetzt zu bekommen. Das Drehbuch des Films, von den beiden Spaniern Xavier Romero und Llorenç Español Nolla verfasst, gewann im Jahr 2019 den deutschen Animationsdrehbuchpreis beim Trickfilmfestival in Stuttgart. Die Frage hier ist, ob das Drehbuch bereits all die Lücken und Defizite der Erzählung aufwies oder ob die Vielzahl an Produktionshäusern und die damit einhergehenden, verschiedenen Filmförderungsbedingungen der jeweiligen Länder-, EU-, bzw. Fernseh-Förderungen diese erst eingerissen haben.
Aisha und das verlorene Buch ( (c) Der Filmverleih, Stuttgart)
Es ist mehr als wahrscheinlich, dass die Produzenten den Weg des geringsten Widerstands gegangen sind und kostengünstigste Entscheidungen getroffen haben, dass die Regisseurin Shadi Adib bei ihrem Erstlings-Spielfilm ihr Bestes gegeben hat, aber die Umstände wahrscheinlich überfordernd gewesen sein müssen, ihre persönliche Vision letztlich umzusetzen. Die Anstrengungen der einzelnen Artists, die wiederum versucht haben, ihr Bestes zu geben, etwa im Bereich Kamera, Lichtsetzung, Character Design sind deutlich spürbar – aber erinnern wir uns an die Maxime John Lasseters: „Auch die beste Animation kann eine schlechte Geschichte nicht retten!“ Und das macht „Aisha und das verlorene Buch“ eine ärgerliche, geradezu tragische Angelegenheit: Man merkt, man begreift das Potential der Geschichte unterschwellig über den gesamten Film hinweg und wünscht sich, man sähe dieses Potential besser aufbereitet. Das ist immerhin mehr als man von allen übrigen deutschen Animationsfilmen der letzten Jahre behaupten kann, aber für einen Animationsfilm unserer Tage schlichtweg zu wenig.
Michael Wortmann, Frank Schlegel (nicht da) · MOMO I BESTE VISUELLE EFFEKTEbei der Verleihung DEUTSCHER FILMPREIS 2026 in Berlin Copyright: Eventpress Fuhr
Mit dem Deutschen Filmpreis 2026 können deutsche Spiel-, Kinder- und Dokumentarfilme ausgezeichnet werden, die für das Kino produziert wurden und zwischen dem 5. Dezember 2024 und dem 7. Mai 2026 gestartet sind. Bis zum 23. September 2025 konnten Produktions- und Verleihfirmen ihre Filme für das Auswahlverfahren anmelden. Bis Ende März konnten die über 2.400 Mitglieder der Deutschen Filmakademie entsprechend ihrer Sektion über die Nominierungen abstimmen, die am 31. März bekanntgegeben wurden. In den Kategorien „Bester Spielfilm“ und „Bester Kinderfilm“ sind alle Mitglieder der Filmakademie berechtigt, ihre Stimme für die Nominierung abzugeben. In der finalen Stufe des Wahlverfahrens können die Mitglieder sektionsübergreifend in allen Kategorien abstimmen. Die Ergebnisse sind bis zur tatsächlichen Verleihung, im Rahmen der feierlichen Gala, ausschließlich dem betreuenden Notariat bekannt.
Die Mitglieder der Deutschen Filmakademie haben zum 22. Mal über die Gewinner:innen des Deutschen Filmpreises abgestimmt. Im Rahmen einer von Christian Friedel moderierten feierlichen Verleihung wurden diese soeben im Palais am Funkturm ausgezeichnet. Die Deutsche Filmakademie gratuliert allen Lola-Gewinner:innen herzlich!
Bildnachweis: (c) MoMA Jane Aaron. “Right in the Middle of My Face” Picasso sneeze animation drawing. 1993. Marker and colored pencil on paper, 10 3/4 × 12 1/2″ (27.3 × 31.8 cm). Jane Aaron Collection, Gift of Skip Blumberg, 2023.
NEW YORK, May 28, 2026 — The Museum of Modern Art announces It’s Alive! A Century of Animation from the Collection, an expansive exhibition featuring the work that more than 35 artists and filmmakers—working largely in New York—produced in the 100 years prior to digital technology’s transformation of the medium.
Opening August 1, 2026, the exhibition will bring together over 200 pieces of production art and films from the Museum’s collection created between 1908 and 2020 by such artists as Jane Aaron, John Canemaker, Sally Cruikshank, Tissa David, Jerome Hill, Candy Kugel, Emily and Faith Hubley, David Ehrlich, George Griffin, Jeff Scher, and Michael Sporn. A theatrical retrospective of animated shorts and features, including work by exhibited artists and other animators represented in the Museum’s collection, will coincide with the exhibition, with details to be announced. It’s Alive! A Century of Animation from the Collection is organized by Ron Magliozzi, Curator, Francisco Valente, Curatorial Associate, Katie Trainor, Senior Collections Manager, and Cara Shatzman, Collections Specialist, Department of Film, with thanks to the Celeste Bartos Film Preservation Center’s Seth Mitter, Alma Macbride, and Joseph Shepherd.
(c) MoMA Buzzco Associates. MTV cel setup: Astronauts. c. 1983. Marker and pencil on celluloid and photo paper, 11 7/8 × 14″ (30.2 × 35.6 cm). Buzzco/Perpetual Motion Collection, Gift of Candy Kugel, 2013.
“Animation has been an immensely popular medium since the birth of motion pictures. At MoMA, its creative evolution has been marked by more than a hundred film programs, and the acquisition of animated works by studios and independent filmmakers alike,” said Magliozzi. “At its core, It’s Alive celebrates the roots of animation in New York and demonstrates how the city remained a hub for innovative work impacting pop culture. It’s Alive is a testament to collection initiatives that seek to document moviemaking practices and cinema culture in New York and a generation of local artists whose careers advanced the medium as a form of self-expression.”
(c) MoMA – Margaret Winkler with model for Felix the Cat toy. c. 1922. Gelatin silver print, 4 1/4 × 3 1/4″ (10.8 × 8.3 cm). Margaret J. Winkler Collection, Gift of Mr. and Mrs. Robert and Kathryn (Mintz) Fish, 1991.
The exhibition primarily focuses on individual animation artists, highlighting their distinctive work and shared practices. It will open with black-and-white cartoon icons from the silent film era—Otto Messmer’s Felix the Cat, Dave Fleischer’s Koko the Clown, and Winsor McCay’s Gertie the Dinosaur—demonstrating the role of character-based animation in establishing the medium’s popularity. In contrast, works by Isadore Sparber, Mary Beams, Kathy Rose, Tissa David, and David Ehrlich will illustrate how black-and-white line drawing remained a foundational expressive aesthetic throughout the pre-digital period. Viewers will experience the addition of color as a standard in the 1930s and the modernization of animation design led by featured animator John Hubley in the 1950s. Examples of commissioned work for Public Television’s Sesame Street and rare material from MTV’s “I Want My MTV” spots—including Cyndi Lauper, David Bowie, Lionel Richie, Madonna, Hall and Oates, and Culture Club—will also be displayed. Other exhibition highlights from the Museum’s collection include works by Lotte Reiniger, Len Lye, Emile Cohl, Hans Richter, Oscar Grillo, Lou and Morey Bunin, and Robert Brotherton, as well as the premiere installation of Philip Stapp’s scroll Interstices, a Silent Fugue (1992), which finds a “distant source of the animated film” within the traditional Chinese scroll.
(c) MoMA Oscar Grillo. Walt Disney caricature. u.d. Pencil on paper, 12 × 12 1/2″ (30.5 × 31.8 cm). John Canemaker Collection, Gift of John Canemaker, 2024.
Frankelda, a determined 19th-century Mexican writer, journeys into her subconscious to face the monsters she’s written about. Guided by a tormented prince, she must restore the balance between fiction and reality before it’s too late.
About Netflix: Netflix is one of the world’s leading entertainment services offering TV series, films, games and live programming across a wide variety of genres and languages. Members can play, pause and resume watching as much as they want, anytime, anywhere, and can change their plans at any time.
LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight is a brand-new open world action adventure video game that invites players to embark on Bruce Wayne’s epic journey to become the hero of Gotham City, inspired by decades of Batman films, television, comic books, and games, and jam-packed with Batman nostalgia, DC lore, and TT Games’ signature brand of fun-filled LEGO humor.
On the edge of a remote fishing village, Lucy, a mysterious girl with visions no one else can see, meets her secret friend Milly. Together, they set out on a magical quest to uncover the secret behind her mysterious powers.
Oscar-winner Steven Spielberg shares a clip from his latest film, where contact with alien life causes unexpected powers to emerge in the film’s main characters. Stick around for more with Steven Spielberg and watch „Disclosure Day“ in theaters on June 12th.
Legendary director Steven Spielberg is aware that President Obama wants to be humanity’s ambassador to alien life, but the „E.T.“ director thinks he’s better suited for the gig. Spielberg’s latest film, „Disclosure Day,“ is in theaters June 12th.
This summer everything will become clear. Disclosure Day in theaters 06.12.26. If you found out we weren’t alone, if someone showed you, proved it to you, would that frighten you? This summer, the truth belongs to eight billion people. We are coming close to … Disclosure Day. Universal Pictures is proud to release a new original event film created and directed by Steven Spielberg. The film stars SAG winner and Oscar® nominee Emily Blunt (Oppenheimer, A Quiet Place), Emmy and Golden Globe winner Josh O’Connor (Challengers, The Crown), Oscar® winner Colin Firth (The King’s Speech, Kingsman franchise), Eve Hewson (Bad Sisters, The Perfect Couple) and two-time Oscar® nominee Colman Domingo (Sing Sing, Rustin).
Based on a story by Spielberg, the screenplay is by David Koepp, whose previous work with Spielberg includes the scripts for Jurassic Park, The Lost World: Jurassic Park, War of the Worlds and Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull. Combined, those films earned more than $3 billion worldwide. Koepp also wrote the script for this 2025’s Jurassic World Rebirth. Disclosure Day is produced by five-time Academy Award® nominee Kristie Macosko Krieger (The Fabelmans, West Side Story) and by Spielberg for Amblin Entertainment. The executive producers are Adam Somner and Chris Brigham.
Steven Spielberg is one of the industry’s most successful and influential filmmakers. The top-grossing director of all time, Spielberg has helmed such blockbusters as Jaws, E.T. The Extra-Terrestrial, the Indiana Jones franchise and Jurassic Park. Among his myriad honors, he is a three-time Academy Award® winner, including Oscars® for Best Director and Best Picture for Schindler’s List, which received a total of seven Oscars®, and for Best Director for Saving Private Ryan. His most recent film, The Fabelmans, was released by Universal in 2022 and received seven Academy Award® nominations, including for Directing, Best Original Screenplay, Best Actress and Best Picture.
Is AI actually intelligent, or are we just falling for a very convincing trick?
Cognitive scientist, entrepreneur, and bestselling author Gary Marcus joins Brian Greene for a conversation on artificial intelligence, the mind, and the future of humanity in an ever increasing digital world. Together they unpack the real state of artificial intelligence and what it would actually take to build something that genuinely reasons like a human being, including why the „just scale it“ hypothesis is quietly being abandoned, why so many smart people still believe the hype anyway, and what the field is actually doing behind the scenes to compensate. But the conversation goes beyond the technical. Marcus and Greene push into the more human questions that most AI debates tend to avoid, like whether creativity is something these systems can genuinely claim or just convincingly imitate, what purpose and meaning look like in a world where work is no longer the center of life, and whether a future advanced enough to deliver on AI’s biggest promises would actually distribute those gains or concentrate them in the hands of a few. It’s a rare conversation that takes the technology seriously without losing sight of what’s actually at stake for the people living alongside it. This program is part of the Rethinking Reality series, supported by the John Templeton Foundation.
Participant: Gary Marcus
Moderator: Brian Greene
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